sabato 20 novembre 2010

ARTE e MERCATO un rapporto difficile...? PARTE SECONDA



Peter Fischli & David Weiss,
Cosa fa la mia anima mentre sto lavorando?, 2003
Coll. Consolandi
Foto Roberto Marossi
In precedenza abbiamo parlato del legame tra arte e mercato,  argomentando sull’alienazione dell’artista e sulla storia dell’arte.
Paolo Consolandi
Ora approfondire l’argomento con una serie di post è d’obbligo soprattutto in questo momento, quando al MAGA va in scena la mostra a cura di Francesca Pasini ed Angela Vettese “COSA FA LA MIA ARTE MENTRE STO LAVORANDO?” composta dalle opere della collezione Consolandi (14 novembre 2010 -13 febbraio 2011).; in memoria del famoso collezionista venuto a mancare nel maggio scorso. Chi ha avuto la fortuna di poter godere della mostra sui “LIBRI D’ARTISTA” a Palazzo Reale, ha una minima idea di quello che può essere esposto al MAGA; quel che è certo è che il mercato e gli artisti Italiani sono stati privati di un protagonista d’eccezione: il collezionista milanese Paolo Consolandi.
Alighiero Boetti, Mappa, 1972-73
Collezione Consolandi
Foto Mario Tedeschi

Dagli anni 50, Consolandi accumula il fior fiore dell’arte: da Fontana, Manzoni, Klein, Castellani, Klee, Warhol,  Vesarely, Morellet, Albers, Armand, Hutchinson e molti altri.
Consolandi era un collezionista di prima classe con due sole restrizioni di scelta: l’alta qualità delle opere scelte e le dimensioni dei pezzi che non potevano essere enormi, dato che la raccolta si definiva entro gli spazi della casa e gli uffici del notaio milanese.
Ed è questo forse un primo indizio tra l’interazione tra l’arte ed il mercato, tra domanda ed offerta.

COMMERCIABILITA’
Alcuni parametri accomunano i piccoli collezionisti ai grandi collezionisti: dimensioni e conservazione. Sia in un caso che nell’altro, il collezionista deve sapere di avere uno spazio adeguato dove porre l’opera acquistata e che la stessa opera sia eseguita, e trattata in modo da conservarsi il più a lungo possibile (a meno che la stessa non sia stata progettata apposta per dialogare con l’ambente circostante e per deteriorarsi – ma questo deve essere sostenuto da un solido impianto intellettuale e poetico).
Ron Mueck, "Boy" 1999
Credit: Ron Mueck

DIMENSIONI
Sulle dimensioni dell’opera, il parametro è variabile, in quanto dipende dalle possibilità dell’acquirente di avere spazio adeguato; e tuttavia anche qualora avesse spazio per un’opera, lo spazio in questione potrebbe non essere sufficientemente illuminato o appunto non adeguato in quanto posto in relazione alle altre opere, non godibile.
Un artista giovane (non ancora affermato) che produca solo opere di grandi dimensioni avrà un bel da fare a trovare le prime vendite... D’altro canto, le opere di piccole dimensioni non hanno lo stesso impatto di quelle di grande dimensioni. La strada della varietà dell’offerta invece può accontentare più domanda, sia in termini di potere d’acquisto che di possibilità di posizionamento in uno spazio adeguato.

CONSERVAZIONE
Ernesto Neto, Leviathan Thot, 2006
Photocredit: Marcus Wagner
Altro punto importantissimo è quello della conservazione dell’opera. Molti giovani artisti non danno peso al deterioramento delle proprie opere. Partendo dal presupposto che nulla è eterno e che le cose decadono e si rovinano,  l’artista si deve tuttavia necessariamente preoccupare (e non solo per la gioia dell’acquirente, in quanto è giusto che un artista desideri che la sua opera duri il più a lungo possibile) che l’opera sia composta da elementi e materiali non eccessivamente corruttibili, e qualora lo fosse per necessità d’espressione,  dovrà industriarsi per cercare il modo di metterla il più possibile al sicuro dagli agenti che potrebbero nuocere alla sua integrità cercando allo stesso tempo, di non lederne la fruibilità ed il godimento da parte del pubblico, ed evitando accuratamente con tale intervento, di snaturarne le potenziali o effettive relazioni semantiche e semiologiche (ad esempio, se un’opera è stata pensata per essere toccata, dovrà essere possibile toccarla...).

ESPOSIZIONE E SUPPORTI
Un problema che va quasi di pari passo con quello della conservazione, è quello dell’esposizione. Il discorso fatto sopra vale anche per le esposizioni; il fatto ad esempio che “il legno sia vivo” e le intelaiature tenda ad imbarcarsi, è fatto risaputo, tuttavia sia per un gallerista che per un possibile acquirente, un quadro a pastelli 50x70cm che si torce di 35cm sul suo asse non è gradevole né tantomeno facilmente vendibile;  così come una scultura mal bilanciata o con un piedistallo inadatto e traballante.

Liu Ding, Transition Products, 2005 Performance,
40 dipinti, olio su tela, 22 stampe fotografiche

L.A. Galerie Lothar Albrecht (Frankfurt/Main, Germany)


Attaccaglie mal fissate, inesistenti o di fortuna (come fili di ferro o simili) non aiutano nemmeno il gallerista più ben disposto e neppure il collezionista; opere eccessivamente pesanti, senza che tale peso sia legato a motivi intellettualmente (o per scelte poetiche-espressive) validi può essere considerata un’ingenuità da dilettanti.
La cornice a mio parere è una scelta delicata. Molti quadri vengono violentati da cornici inadatte, che a volte ne pregiudicano un’efficace lettura. Le cornici migliori possono essere quelle neutre (bianche o nere), listelle lisce,  e con bordi adeguati al quadro. Il color legno è difficile da scegliere (se si ha tempo si può anche pensare) e con gli altri colori si rischia parecchio.

Lo stesso vale per i piedistalli... che non devono “fare a pugni” con la scultura, ma adeguarsi o riuscire a valorizzarla, fornendo un buon rapporto figura-sfondo (componendole con un materiale ed un colore neutro diversi da quelli della scultura ma senza troppa “personalità”) ad essa.

AUTENTICAZIONE
Un altro punto è quello dell’autentica: in occasione di alcune mostre da me curate mi è capitato, accorgendomi del fatto in galleria, di dover chiedere agli artisti di firmare il retro della tela per autenticare i quadri...!
Emilio Isgrò, dichiaro di non essere Emilio Isgrò, 1971,
Istallazione per 7 elementi, stampa tipografica su carta, Archivio Isgrò, Milano
EQUIPAGGIAMENTO: CATALOGHI, ARCHIVIO, CRITICHE, ECC...
L’artista giovane ed esordiente, tenuto conto che DEVE avere una cultura ben solida di storia dell’arte e conoscere un poco e per quanto possibile le direzioni dell’arte contemporanea, potrà produrre opere interessanti solamente se riuscir a trovare la propria dimensione, la propria direzione ed i propri orizzonti poetici ed espressivi.
Tenuto conto di ciò, alcune elle armi di cui può avvalersi un giovane artista contemporaneo esordiente sono mostre (in gallerie), premi, cataloghi e/o pubblicazioni.
Delle gallerie, dei premi e delle pubblicazioni volevo dare spazio nella prossima parte, chiedendo anche a voi lettori/ di dare il proprio giudizio o di portare la propria esperienza.
In realtà, ciò che pensavo in questa parte di “Arte e Mercato” era di partire proprio dall’inizio: un artista esordiente DEVE catalogare le proprie opere, fotografandole ed archiviandole con titolo, dimensioni, data e tecnica, in un proprio catalogo aggiornato sulla disponibilità delle stesse (magari con una copia digitale in PDF da spedire eventualmente a richiesta); così da agevolare il lavoro di critici, curatori e galleristi (quelli bravi intendo, e non di quelli che vi chiedono di portare quel che volete basti che paghiate).
Il tutto magari correlato da una critica in cui l’artista si identifichi e che non sia del tutto campata per aria, con una breve biografia ed una lista chiara delle mostre, delle partecipazioni a premi e delle eventuali pubblicazioni.
Magari stampare piccole brochure da lasciare in occasione delle mostre con le opere più significative e i propri dati e le indicazioni spiegate sopra.
Altra cosa che potrebbe aiutare è un sito internet aggiornato con il materiale di cui sopra...

domenica 7 novembre 2010

ARTE , DESIGN e MASS MEDIA – I RUOLI DELL’ARTE NELLA CULTURA MODERNA

Quanto l’arte influisce sulla cultura popolare contemporanea? Quanto, una persona qualsiasi sa dell’arte? 
Agenzia Armando Testa, Bella Scoperta,
immagine pubblicitaria per una fiera automobilistica, 2006

Photocredit: engramma.it
Se andassi per strada e chiedessi ad un passante generico cosa ne pensa di Leonardo da Vinci, è probabile che, se il tale avesse letto Dan Brown, mi potrebbe rispondere: “secondo me, il tizio vicino a Gesù, è la Maddalena”, oppure potrebbe rispondermi semplicmente: “la Gioconda”. 

Gioconda Torno subito
Source: Art Wiki credit: Daff95
Più o meno lo stesso avverrebbe forse con Botticelli, Van Gogh, Picasso, Monet, Dalì, Mirò, Klimt, Magritte, Chagall, Caravaggio. Ma se chiedessi di Kandinskij, Klee, Mondrian, Ernst, Calder, Moore? O peggio ancora di Pollock, Duchamp, Klein, Manzoni (specificando Piero), Vedova, Fontana, Burri? E cosa succederebbe se chiedessi di Viola,  Christo, della Beecroft? Logicamente non ci si può aspettare che un non-appassionato d’arte conosca molti nomi di artisti moderni e contemporanei e che riesca ad associarli alle loro opere; non sarebbe nemmeno corretto, in qualche modo, chiedere a chicchessia di conoscere Faraday, Ampérè, Ohm, benché noi tutti oggi viviamo in un mondo che utilizza massicciamente apparati elettrici ed elettronici.
Photosource: Worth1000 contest Credit: Waleed Mushtaq
Tuttavia, come per gli studi e degli apparati di Volta, Ampéré, Fleming e compagnia, oggi siamo immersi anche dei frutti dell’arte. Che lo vogliamo o no, l’arte s’insinua nella nostra società in modo subdolo e strisciante.

Poche settimane fa, Nevruz Joku, cantante partecipante al programma RAI "Xfactor" ha cantato il pezzo dei Baustelle “Charlie fa surf”. 
Nevruz Joku
guarda il video
Source: nevruz.altervista.org
Tale pezzo è dichiaratamente ispirato all’opera di Cattelan “Charlie don’t surf”, la quale a sua volta, è ispirata ad una frase del film Apocalypse Now di Coppola pronunciata dal colonnello della compagnia aviotrasportata nella famosissima scena degli elicotteri che eseguono l’attacco sulle note della “Cavalcata delle Valchirie” di Richard Wagner. Charlie è l’abbreviazione della sigla-codice VC ovvero Victor Charlie = Viet Cong.
Così la TV ruba alla musica pop che ruba all’arte che ruba al cinema che ruba alla musica.
Charlie don't surf,
Maurizio Cattelan 1997
Photocredit: Maurizio Cattelan sito ufficiale
Non è la prima volta che i Baustelle citano un artista nelle loro canzoni, altro riferimento vi è nel testo di “un romantico a Milano” che riporto: “...Mamma / che ne dici di un romantico a Milano? / fra i Manzoni preferisco quello vero:Piero
Non è nemmeno la prima volta che Elio (e le storie tese), “allenatore” del citato Nevruz ha a che fare con Cattelan, sembra infatti che il cantautore si sia “sostituito” all’artista firmando autografi e rispondendo alle domande degli intervenuti in occasione della consegna del premio alla carriera del MAXXI a Cattelan.

Pubblicità acqua effervescente naturale
Fonte: www.repubblica.it IMMAGINI
Opera "Slim Venus"
Source: Worth1000 contest - credit: batthemadbat


Ma ben più esempi vi sono nel campo della comunicazione visiva: il “Chiasma” e la ponderazione delle figure umane dei Canoni greci sono state riprese dai fotografi pubblicitari e della moda; 
così come i vari simboli dell’arte sono stati utilizzati per veicolare un messaggio pubblicitario: dalla Venere del Botticelli, al David di Michelangelo; dalla Gioconda, all’autoritratto di Van Gogh.
photocredit: strangeart.it
Molte le rielaborazioni fotografiche di grandi dipinti utilizzate da moda e pubblicità: dal “quarto stato” di Pellizza da Volpedo, a “la libertà che guida il popolo” di delacroix.
Costume "alla Mondrian" della designer sara Schofield
Photocredit: Tracey Lee Hayes 
Hair & Make-up: Jodie Watts 
Model: JJ @ Viviene’s 
Shot: Geelong, Australia 
Per non parlare dei “loghi” che riprendono quasi al limite del plagio le composizioni di Mondrian, le grafiche che riprendono le morfologie, le armonie, i ritmi e le textures di Klimt, il dripping di Pollock o le pennellate di Tapies.

manifesto della Bauhaus
source: spazioldo.com
L’intera grammatica e sintassi della grafica moderna e del design recuperano gli studi di Klee e Kandinskij al Bauhaus; a questo proposito ho trovato significativa una frase di Kandinskij rivolta a Malevič: “se d’ora in poi ci prefiggiamo di tagliare tutti i nostri legami con la natura, [...] di accontentarci esclusivamente di combinare il colore con una certa forma inventata, le opere che creeremo saranno ornamentali, geometriche, non molto diverse a prima vista, da una cravatta o da un tappeto

Wassily Kandinskij, composizione 8 (1923)
 Olio su tela, 140 x 201 cm (55 1/8 x 79 1/8") 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
source: salonedegliartisti.it
In questo senso, nella ricerca della forma pura, o più precisamente, delle forme pure dell’astrattismo non vi era, come poi è effettivamente avvenuto, il germe del design e del graphic design? 
Bauhaus Information_Design_by_denzmixed
Ovviamente sì. Lo conferma la psicologia della gestalt ed il suo forte legame con quanto teorizzato in “Punto, linea, superficie” di Kandinskij.
Ma andando oltre alla ricerca morfologica, per fare due esempi, l’impressionismo ha aperto gli occhi sulla reale fisiologia percettiva dell’occhio umano: ovvero “a macchie cromatiche”; 
il cubismo ha speculato sul tempo e la relatività con l'idea della simultaneità del punto di vista in una sorta di anticipazione della teoria della relatività in campo fisico; 
Yves Klein, antropometria
source: exibart. com
l’arte performativa e la Land Art hanno aperto la via di ricerca sull’aspetto di “evento”, di partecipazione del fruitore e di invasione ambientale; concetti rivalutati poi a scopo pubblicitario in forme analoghe. E la lista, dall’inizio della prima forma d’arte preistorica ad oggi sarebbe molto lunga...
Christo Javacheff, Ombrelli Blu
source: writedesignonline.com
L’arte viene “mangiata” e digerita dalla comunicazione e dalla società ma per continuare ad essere se stessa DEVE necessariamente mantenere il suo status d’indagine filosofica ed espressiva svicolata dalla mera comunicazione, anche se poi potrà essere “digerita” e “riproposta” da essa.
Pablo Picasso 1962
credit:
Revista Vea y Lea
“[...] l’arte non è tata inventata per decorare appartamenti. Essa è un’arma di offesa e di difesa dal nemico.” Disse Picasso; e tuttavia oggi, il suo nome, la sua firma e le sue forme pubblicizzano un’automobile.


In definitiva quindi siamo “contaminati”. Ed anche una persona estranea all'arte che artisticamente non riconosce Kandinskij e che molto spesso risponde: “l’arte moderna non la capisco” è inevitabilmente coinvolto, avvolto e convinto da quelle stesse forme di espressione che non capisce.
Damien Hirst, L'impossibilità fisica della morte nella mente di un vivo
source: blog.libero.it
Ma il problema dell’uomo medio è che  non gli vengono forniti gli strumenti necessari per essere per lo meno introdotto, all’arte moderna e contemporanea, e dunque non lo si può biasimare, così come l'artista o l'amante dell'arte non può essere biasimato se non conosce Faraday, Maxwell o Dirac.
Henry Moore, at his finest
source: ffffound.com
Ma se l’arte è, per lo meno da un certo punto di vista, una sorta di laboratorio sperimentale di nuove forme di espressione, di nuovi orizzonti di significato, di nuovi modi di vedere la contemporaneità del mondo in cui vive (anche quando recupera il passato), e che dunque si debba sempre sempre in un’ideale frontiera affacciata su continenti inesplorati, ci si deve chiedere dove porteranno le nuove tendenze, se siano tutti validi sentieri oppure quali, delle tante vie, siano le poche che rappresentino il reale “passaggio a nord-ovest” dell’arte di domani.


Tony Cragg, I'm alive, 2003
source: archimagazine.com
Forse, guardando il panorama di prolificazione delle tendenze artistiche dagli inizi del novecento ad oggi, e dall’estrema frammentazione delle stesse in una sorta di nube composta da innumerevoli individualità protese verso direzioni apparentemente diverse, si potrebbe essere tentati di pensare che le ricerche si stiano disperdendo, e che non possano rappresentare una chiara linea o direzione. Molti dei giovani sono epigoni, parecchi dei maturi sono rimasti intrappolati in sé stessi, e dunque il cerchio si restringe. 
Picasso sosteneva che bisognasse “uccidere l’arte moderna” e che ciò significasse uccidere anche sé stessi se si fosse voluto realizzare qualcosa in futuro.
Da questo presupposto, mi chiedo quali potrebbero essere gli artisti capaci di fare qualcosa del genere. Probabilmente saranno loro, quei nuovi pionieri che scopriranno i passaggi a nord-ovest dell’arte di oggi e di domani.